Objeto de estudio (Español)

Introducción al objeto de estudio de la tesis

Menos es más y más …

De la representación a la abstracción y de la materialidad del objeto a la fluidez de la experiencia, la trayectoria del objeto artístico desde principios del siglo XX hasta nuestros días se ha visto sometida a un cuestionamiento constante de su sustancia material y una expansión incesante de sus medios comunicativos. Mientras los artistas contemporáneos desarrollan su trabajo en base de acciones time-specific –y por lo tanto efímeras- instalaciones temporales y bytes y píxeles intangibles, la cuestión de lo inmaterial emerge como un enigma desafiante que plantea una nueva pregunta a cada respuesta que se intenta dar: ¿Se puede hablar de inmaterialidad y visualidad dentro del mismo discurso? ¿Se puede vincular lo inmaterial lo intelecto y lo corpóreo a la vez? ¿Cómo podemos experimentarlo con el cuerpo?

Para dar una respuesta exhaustiva a estas preguntas –junto con otras que surgirán a lo largo del tratado actual- se buscarán palabras e imágenes en la filosofía y el arte contemporáneo, respectivamente. Estas herramientas nos ayudarán a abordar el tema principal de esta tesis: cómo el “escape” de los confines de la materia ha fomentado una manera diferente de relacionarse con el objeto de arte y cómo, dentro de esta nueva relación que se establece entre la cultura visual y el espectador, se introducen nuevos caminos de entenderse uno mismo y el mundo.

Mi objetivo principal en esta tesis es profundizar en el papel que tiene lo inmaterial en las actividades artísticas y mostrar cómo fomenta un enfoque abierto al arte, dirigido hacia la percepción por el cuerpo. Para llegar a él, primero se construirá una base teórica sobre el tema, basada sobre todo en una aproximación filosófica y literaria, y posteriormente se analizará la obra de artistas que trabajan con la respiración en relación con lo inmaterial y el cuerpo.

El análisis está formado por tres hilos principales, que se entrelazan entre sí y con otros hilos secundarios a lo largo del desarrollo de esta tesis.

El primer hilo abarca la investigación de lo inmaterial y la evolución de su comprensión desde la esfera de lo conceptual en el arte desde los años 1970 hasta el mundo contemporáneo digital. Se basa principalmente en la fenomenología de Maurice Merleau-Ponty y en las afirmaciones post-fenomenológicas de Don Ihde, teniendo en cuenta el enfoque de Nicolás Bourriaud sobre la postproducción. Este análisis teórico se completa con artistas que trabajan con arte interactivo basado en software, cuyo aspecto material es casi inexistente; las obras mencionadas requieren la participación con todo el cuerpo, principalmente la respiración.

El segundo hilo aborda la relación de la respiración con el pensamiento filosófico y la práctica artística, a partir de un análisis teórico que empieza con la filosofía griega e india y llega al pensamiento contemporáneo. Este sustrato teórico ayuda a aproximarse a los artistas que trabajan con la respiración como materia prima o fuente de inspiración, sobre todo centrándose en instalaciones artísticas y vídeo arte.

El tercer hilo mira la respiración a través del prisma de la acción performativa; por lo tanto la estructura teórica abarca la relación de la respiración con la voz y el habla, y además su papel en la performance y la formación de los actores, con un énfasis especial en el pensamiento de Antonin Artaud. Posteriormente, el análisis se dedica al espacio intermedio entre el teatro y la performance y a artistas que trabajan con la performance.

Viniendo de diferentes partes del mundo, la mayoría de los artistas mencionados en la tesis actual son de renombre internacional con un impacto significativo en las artes visuales; sin embargo, no se excluyen del análisis artistas más jóvenes, que actualmente están abriéndose camino en la escena del arte contemporáneo. Por lo tanto, nuestro objetivo es crear un hilo invisible que comienza a finales de la década de los 60 y no solo llega a la producción artística contemporánea, sino que también tiene el potencial de proyectar la evolución artística del futuro cercano. Los artistas que se presentan aquí ceden un margen amplio de iniciativa al público, que a menudo se convierte en el co-creador de la obra de arte. Dentro de este contexto, los espacios de arte, que hoy en día se expanden desde los museos a espacios virtuales, se convierten en un ambiente donde uno puede encontrar nuevas experiencias que alteran su sentido de lo corporal, aumentan su sociabilidad y contribuyen a la formación personal y los modos de comprensión.

Rompiendo los vidrios protectores de los museos y haciendo caso omiso de las señales, el arte digital llega al público más allá de los espacios rígidos de los museos y los modos tradicionales de percepción, al centro de la vida cotidiana.

Christina Grammatikopoulou